Museo de Arte Occidental Amon Carter

Introducción

Aunque Amon G. Carter, un editor y filántropo de Fort Worth, y Philip Johnson, un famoso arquitecto de Nueva York, nunca se conocieron, sus visiones se combinaron para crear el museo que ahora es celebrado por su destacada colección de arte estadounidense. Carter no vivió para ver realizado su sueño de crear un gran museo público donde poder exponer su gran colección de arte estadounidense, falleció en 1955. El museo fue inaugurado en 1961.

Al igual que la colección que alberga, el edificio se ha expandido y adaptado a las demandas que se le imponen, pero sigue siendo ante todo un lugar donde las personas pueden experimentar el arte estadounidense.

El arquitecto Philip C. Johnson recibió en 1958 el encargo de diseñar un edificio donde se pudieran exhibir las colecciones de arte de Amon Carter y que a la vez sirviera como monumento al fundador del museo. La espectacular vista desde el lugar fue uno de los motivos por los que Johnson encontró el proyecto particularmente inspirador. El resultado fue un edificio donde se distinguen los detalles, con lugares hermosos y bellamente iluminado, ubicado en una de las pocas colinas que se encuentran en esta tierra plana. La sofisticación de su construcción y los materiales utilizados crearon una cierta y aparente incongruencia con el lugar donde se construyó y los objetos que iba a exponer, pero quedó demostrado que el Oeste ya no es tan salvaje como creen algunos “no tejanos” y este museo sofisticado, pulido y vagamente “europeo” no parece estar fuera de lugar.

En cualquier caso, ningún museo puede ser diseñado para contener solo la colección original de sus donantes y a juzgar por el creciente entusiasmo por el arte moderno en todo Texas, el Museo Amon Carter puede albergar algunas obras muy diferentes dentro de una década o dos.

Ubicación

El museo se ubica en una suave ladera, 3501 Camp Bowie Blvd, con vistas al centro de Fort Worth, Texas, Estados Unidos. El lugar fue personalmente escogido por Amon Carter en 1951 y Johnson colocó el edificio lo más arriba posible de la ladera para maximizar esta vista panorámica hacia el este.

Un distrito cultural ha crecido alrededor del museo y sus instituciones vecinas, y el edificio destaca por su arquitectura y por la obra de arte que contiene. Actualmente el Museo Amon Carter conjuntamente con el Museo de Arte Kimbell de Louis Kahn y el Museo de Arte Moderno de Fort Worth de Tadao Ando forma parte del «distrito de los museos» de la ciudad.

Concepto

Para su diseño Johnson se inspiró en la logia de estilo renacentista, una galería cubierta y abierta que da a una plaza abierta. En consecuencia, la fachada este del museo se enfrenta a una plaza cubierta de hierba rodeada de un paseo. En este proyecto Philip Johnson reafirma su estilo internacional arquitectónicamente simple y si adornos, combinando una estructura clásica con el uso de materiales modernos.

Espacios

La fachada principal con una cortina de vidrio de dos pisos con montantes de bronce se encuentra protegida por un pórtico de 5 arcos que mira hacia el este, hacia la ciudad. Según Johnson este muro cortina separaba «el arte de la ciudad, lo fresco de lo cálido, lo pacífico de lo activo, lo tranquilo de lo ventoso». El gran pórtico o logia, que se eleva todo el alto de la vidriera, al estilo de muchos edificios italianos clásicos y renacentistas, está soportado por pilares cónicos de piedra caliza, cóncavos en 4 superficies, que terminan en pequeñas bases en forma de cruz. Inicialmente, estas columnas cónicas fueron controvertidas y descritas como «clasicismo de ballet». Aprovechando el espacio disponible fuera del edificio y para prolongar en cierta manera su extensión Johnson diseñó una entrada procesional con escalones de granito en una serie de aterrizajes y plataformas. Los escalones y terrazas apuntan hacia la ciudad, con una amplia plaza hundida y cubierta de hierba como pieza central. Esta plaza, 43x97m, en la parte este del sitio está alineada con el museo al eje de la ciudad, al igual que las tres esculturas de bronce de Henry Moore que el museo adquirió en 1962 y que se exponen sobre una sola base diseñada por Johnson.

La entrada principal conduce directamente a un vestíbulo de dos pisos, 7,32m de alto y ancho por 37m de largo, de piedra de Texas con incrustaciones de conchas, bronce extruido oscuro, teca marrón y un piso de granito rosa y gris. Más allá de este vestíbulo, Johnson diseñó cinco galerías íntimas de igual tamaño para la exhibición de arte que balconeaban al espacio central. En el entresuelo, colocó cinco salas similares para una biblioteca y oficinas que con el paso del tiempo se hacen funcionar como galerías para exposiciones rotativas, cada una con un balcón que da al espacio principal que proporciona un escenario grandioso pero sereno para obras de escultura y grandes cuadros.

Ampliaciones

1964 – Aunque en los inicios el museo se concibió como un pequeño espacio conmemorativo sus colecciones aumentaron rápidamente y fue necesario agregar un espacio adicional. En 1964m Joseph R. Pelich quien fuera arquitecto asociado de Johnson en el desarrollo del proyecto original realizó una ampliación de 1.323,87 m2 en el sótano para ubicar espacio para oficinas, librería, biblioteca de investigación y una bóveda para almacenamiento de obras de arte. Pelich consultó con Johnson el trabajo a realizar para mantener una coherencia con el diseño original.

1977 – En este año Philip Johnson conjuntamente con su socio John Burgee diseñan una nueva ampliación para el museo. En este caso la ampliación es de 3400m2 distribuidos en más espacio para oficinas, una nueva bóveda de almacenamiento de 2 pisos, una ampliación de la biblioteca y un auditorio con 105 asientos.

1999 – Pese a todas estas ampliaciones el ritmo de expansión de las colecciones sobrepasó la capacidad del edificio y en 1999 el museo cerró sus puertas para ejecutar nuevos planes, nuevamente bajo el diseño de Philip Johnson quien hizo del edificio en su conjunto un singular ejemplo de su trabajo, un proyecto que el propio arquitecto llamó “el edificio de mi carrera”. Las obras que proporcionaron 3 veces más espacio disponible duraron dos años. El diseño de 1961 fue restaurado, eliminándose las dos ampliaciones posteriores. Con una superficie de 4645,15m2, de los cuales 2600m2 corresponden a áreas de exposición, el museo reabrió sus puertas el 21 de octubre de 2001.

Edificio actual

La expansión de 2001 se basa en la misma huella que las adiciones anteriores. Para alejarse visualmente de edificio original fue revestida con granito árabe oscuro. La característica más llamativa de la expansión es un atrio ubicado en el centro, que se eleva casi 17m sobre el piso, coronado por un techo curvo con ventanas laterales, conocido como la Linterna. Las paredes interiores del atrio están revestidas con la piedra de concha característica y una escalera doble da acceso desde el atrio a un complejo de galerías en el segundo piso donde se exhiben selecciones de la colección permanente del museo, junto con exhibiciones especiales.

La ampliación realizada por Philip Johnson en 2001 incluye un auditorio de 160 asientos, bóvedas climatizadas para el almacenamiento de fotografías, espacio de laboratorio para la conservación de fotografías y trabajos en papel, una biblioteca de investigación, una librería del museo y una instalación de almacenamiento de archivos.

Materiales

Johnson creó un diseño simple y elegante que combinaba la calidez y la riqueza del bronce con la superficie cremosa e intrincadamente estampada de la piedra nativa de Texas incrustada con conchas marinas a la que le dio el tratamiento del travertino italiano. También se utilizó madera de teca marrón y granito rosa y gris.

Tanto los arcos de la fachada como las columnas cónicas que les sirven de soporte están revestidas con la piedra nativa de Texas. También el resto de las paredes exteriores. En la última ampliación y para distinguirla del edificio original las paredes exteriores fueron revestidas con granito oscuro.

Columnas

El Museo Amon Carter en todos sus sofisticados detalles muestra moderación y buen gusto. Sin embargo, no es un edificio “puro” en el sentido convencional: por ejemplo, las formas del pórtico parecen claramente realizadas con técnicas de hormigón pero las columnas cónicas fueron hechas en secciones talladas, como un caparazón, y colocadas alrededor de una columna tubular central. Johnson defiende esta falsificación haciendo referencia a que muchos detalles de la arquitectura griega en los templos se realizaron en madera y sobre ella se pintó imitando el mármol. Este caparazón fue tallado a mano y sus formas cóncavas hacen que se vea mucho más elegante que el revestimiento de piedra plano o convexo utilizado generalmente.

Iluminación

Además de los finos acabados por dentro y por fuera el logro más impresionante de este edificio es su iluminación. Ésta es justificadamente intensa sobre los grupos de esculturas, sin embargo, las fuentes de luz son completamente invisibles a menos que uno se pare directamente debajo de una de las grandes cajas del techo y mire hacia arriba. Las rejillas de estas cajas, cinco en toda la galería principal, contienen 36 accesorios sellados de alta intensidad colocados en conos blindados. Estos conos, a su vez, están terminados en negro en el interior y su forma cuidadosamente calculada elimina todos los reflejos, por lo que la fuente de luz es completamente invisible desde cualquier ángulo.

A su vez estas cajas de aluminio de 0,61cm de profundidad sirven principalmente para reducir el deslumbramiento diurno ya que encima de cada batería o luces hay una claraboya que ayuda a iluminar la galería durante esas horas. Las aletas de las cajas también están pintadas de negro. En otras partes del museo, la iluminación es igualmente espectacular, las fuentes de luz rara vez son evidentes y todo se hace para otorgar especial importancia al arte que se exhibe.